Im Projekt „Malen, wie…“ stellt Anja Röhl in einer Reihe von Workshops jeweils eine Künstlerin vor, nach der dann die Teilnehmerinnen des Workshops eigene Versuche in der Malerei und im Zeichnen unternehmen. Es geht dabei nicht einfach ums Kopieren, sondern darum, sich auf die Spuren eines fremden Lebens zu machen und in das Innere einer bedeutenden, sehr oft vergessenen Künstlerin zu schlüpfen und dadurch interessante Anregungen zu erhalten. Zuerst einmal stellt die Workshopreihe nur Künstlerinnen des 20. Jahrhunderts vor. Gegen Spende und Materialkosten (Dauer vier Stunden, Richtwert 15.-)

Die Reihe der Workshops: Malen wie…von Künstlerinnen inspirieren lassen

Schon durchgeführt:

1. Malen wie Frida Kahlo (Kunstrichtung Magischer Realismus) wird auf Wunsch wiederholt, Interesse bekunden: kunsthausLisa@gmail.com
2. Malen wie Gabriele Münter (Kunstrichtung Expressionismus) wird auf Wunsch wiederholt, Interesse bekunden: kunsthausLisa@gmail.com
3. Malen wie Eleonora Carrington (Kunstrichtung Surrealismus) wird auf Wunsch wiederholt, Interesse bekunden: kunsthausLisa@gmail.com

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11.4.26, 14 Uhr: Malen wie Paula Modersohn-Becker (Kunstrichtung Expressionismus)

Malen wie Maude Lewis (Naive Kunst) Vortrag und Film über Leben und Kunst der kanadischen naiven Malerin Maude, plus eigene Malversuche. (bis 19 Uhr!)

Malen wie Elizabeth Shaw, einer in Belfast geborenen DDR-Buchillustratorin und Kinderbuchautorin (Der kleine Angsthase)

Malen und Collagieren wie Hannah Höch (Dada, Konstruktivismus, Surrealismus, Abstrakte Kunst)

Malen wie Lea Grundig (Kunstrichtungen: Neue Sachlichkeit, Realismus)

Malen wie Clara Westhoff (Kunstrichtung: Symbolismus, Expressionismus, Worpsweder Kunstkreis)

Malen wie Marianne von Werefkin (Kunstrichtung: Symbolismus, Expressionismus, Blauer Reiter)

Malen wie Käthe Kollwitz (Kunstrichtung Expressionismus)

Malen wie Charlotte Berendt-Corinth (Kunstrichtung Klassische Moderne, vom Realismus zum Expressionismus)

Malen wie Sarah Haffner (Kunstrichtung: Berliner 68-er Jahre Boheme, changiert zwischen Realismus und Abstrakt)

Malen wie Hanna Nagel (Kunstrichtung: Verismus mit surrealistischen Einflüssen)

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Malen wie Erma Bossi

Malen wie Friedel Hoefer

Malen wie Ida kerkovius

Malen wie Hilde Meyer

Malen wie Marg Moll

Malen wie Emy Roeder

Malen wie Marie Luise Scherer

Malen wie Sarah Schumann

Malen wie Doris Waschk-Balz

Interessierte können sich melden, für Gruppen können wir Wunschtermine ausmachen, nachfragen, anmelden, alles unter: kunsthausLisa@gmail.com

In der Zeitschrift „Dummy“, (stark gekürzt) schreibt der Journalist Oliver Gehrs:

Sie schrieb keine umstürzlerischen Flugblätter, sie arbeitete seit 1939 als Redakteurin für die Frauenzeitschrift: „Die junge Dame“, die das Rollenideal der Zeit durchaus hochhält, sie veröffentlichte ein Buch mit dem Titel „So benimmt sich die junge Dame“, agierte politisch, gemeinsam mit ihrem Lebensgefährten, dem russisch-deutschen Dirigenten Leo Borchard, gegen das NS-Unrechtsregime. Als am 19. Juni 1943 Goebbels Berlin für „judenfrei“ erklärt und die industriell organisierten Ermordungen von Frauen, Kindern, Alten in den Gaskammern täglich „5000 „Einheiten“, wie Eichmann es nannte, betrugen, da kümmerten sich Ruth Andreas- Friedrich und ihre Freunde um die 7000 in Berlin noch lebenden Juden, für die sie Verstecke, Pässe, Essen und Trost organisierten und die sie unter Einsatz ihres Lebens von einem Versteck ins andere brachten. Und auch als im Februar 1943 die Mitglieder der Weißen Rose in München festgenommen wurden, tippten sie in Berlin deren Flugblätter ab, um sie weiter zu verteilen. Nicht alle Deutschen waren „Judenfresser, Hitlerjungen und Gestaposchergen“, das wollte die „Gruppe Emil“, wie sie sich nannten, zeigen.  Und auch nach dem Krieg kann Andreas-Friedrich dafür sorgen, dass der zivile Widerstand gegen Hitlerdeutschland nicht in Vergessenheit gerät. Anfang 1947, zwei Jahre nach dem Zusammenbruch des Dritten Reichs, schildert sie im New Yorker Buch „Berlin Underground“, ihr Leben unter den Nazis. Unter dem Titel „Der Schattenmann“. schildert sie später das tragische Ende ihres Lebensgefährten Leo Borchard, der nach Kriegsende 1945 für zwei Monate die Berliner Philharmoniker dirigieren darf. Borchard wird an einer Westberliner Sektorengrenze versehentlich von einem US-Soldaten erschossen, weil der Fahrer die Aufforderung zu stoppen missversteht.

Weitere Informationen gibt es in der Gedenkstätte deutscher Widerstand.

Gabriele Helene Henriette Münter Sie ist am 19. Februar 1877 in Berlin geboren und starb am 19. Mai 1962, sie wurde 85 Jahre alt und hat immer gemalt. Sie war eine selbstbewusste Künstlerin, die sich nicht die Butter vom Brot nehmen ließ. Sie wurde lange als im Schatten Kandinskis stehend beurteilt, heute ist sie eine weltberühmte Malerin.

Sie gilt neben Paula Modersohn-Becker als bekannteste Vertreterin des Expressionismus in Deutschland. Darüber hinaus schuf sie ein umfangreiches zeichnerisches Werk, fotografierte und war auf dem Gebiet der Druckgrafik tätig. Ihr Malstil besticht durch Farbpracht und Einfachheit. Charakteristisch ist ihre ganz besondere Ummalungstechnik, dh. jedes Objekt wird von ihr deutlich ummalt, die Farben darin von den umliegenden scharf abgegrenzt. Das macht ihre Kunst auch für Laien sehr leicht verständlich, es verliert dabei aber nicht an Tiefe. Sie schuf ein enorm umfangreiches Werk, was lange kaum beachtet wurde. Murnau am Staffelsee, wo ihr ehemaliges Wohnhaus heute als Museum geführt wird, wurde durch ihre Bilder weltberühmt.
Gabriele Münter war Mitglied der Neuen Künstlervereinigung München (N.K.V.M.) und Mitbegründerin der Malergemeinschaft Der Blaue Reiter. Münter rettete einen bedeutenden Teil der Werke Kandinskys durch die Zeit des Faschismus und schenkte 1957 der Stadt München eine Auswahl ihrer eigenen Bilder und alle Werke Kandinskys aus ihrem Besitz. Diese sind heute im Lenbachhaus in München zu sehen.

Anmeldung nicht nötig, einfach vorbeikommen: Workshop: Malen wie Gabriele Münter, am Samstag, 25.1.25 um 15 Uhr, Kunsthaus Lisa, Pappelweg 22, 18337 Neu Guthendorf

Am 13.4.25 um 11 Uhr: Workshop zu Paula Modersohn-Becker mit Anja Röhl als Matinée. Wer war diese Malerin, woher kam sie, was hat sie geleistet, wie war ihr Schicksal? Wir nähern uns der Malerin an und versuchen danach mit ihren Augen zu sehen. Malmaterialien vorhanden, gegen Spende, wenn es euch gefallen hat.

Hier unsere Infoseite zu Frida Kahlo

von Kristian Teetz, 10.2.2019, Redaktionsnetzwerk Deutschland

Wer vom Bauhaus spricht, denkt in erster Linie an berühmte Männer wie Walter Gropius und Paul Klee. Doch die Kunstschule wurde auch von vielen Frauen geprägt. Lange Zeit waren die meisten von ihnen vergessen. Erst langsam – zum 100-jährigen Jubiläum – rücken sie ins Blickfeld der Öffentlichkeit.

Da ist Alma Buscher. Ihr Holzspielzeug sollte der Kinderfantasie Raum geben. Ein paar Formen – Dreiecke, Würfel, Kugeln – gaben den Kleinen die Möglichkeit, Gebäude, Schiffe, Gedankenwelten zu bauen. Entwickelt hat die Künstlerin dieses noch heute erhältliche Spielzeug am Bauhaus in Weimar. Das Bauhaus ist berühmt, aber Alma Buscher kennen heute nur noch wenige.

Da ist Ilse Fehling. Auch diese ungemein produktive Frau studierte am Bauhaus. Sie ließ sich eine Rundbühne für ein Marionettentheater patentieren, schuf Skulpturen, Plastiken und arbeitete mit Keramik. An sie erinnert sich ebenfalls kaum jemand.

Und Lucia Moholy. Die Fotografin, Lektorin und Kunstkritikerin hielt zwischen 1923 und 1928 Gebäude, Werke und Angehörige des Bauhauses in ihren Aufnahmen fest. Ohne ihre Fotos ist heute keine Dokumentation über die weltberühmte Kunst-, Design- und Architekturschule denkbar. Nach dem Zweiten Weltkrieg fotografierte und dokumentierte sie unter anderem für die Unesco Kulturgut. Auch sie steht im Schatten der Bauhaus-Männer. Und nur Experten kennen Gertrud Grunow, Ré Soupault, Katt Both, Lotte Stam-Beese, Kitty van de Mijll Dekker, Michiko Yamawaki oder Lilly Reich.

Genau 100 Jahre ist es her, dass der Architekt und Kriegsheimkehrer Walter Gropius im April 1919 in Weimar die Großherzoglich-Sächsische Kunstgewerbeschule mit der Großherzoglich-Sächsischen Kunsthochschule zum Staatlichen Bauhaus Weimar vereinte. 14 Jahre sollte diese avantgardistische Schule zunächst in Weimar, später in Dessau und schlussendlich in Berlin bestehen.

Danach arbeiteten Gropius und seine Kollegen – die meisten lebten mittlerweile in den USA – an dem Bild, das wir heute mit dem Bauhaus verbinden. Dem Bild von einer Schule der Moderne, von einer Schule, in der der neue Mensch wie auch eine neue Gesellschaft geformt werden sollten. Einer Schule, die Kunst, Design und Architektur revolutionierte. Die Namen, mit denen wir das Bauhaus heute verknüpfen, lauten Walter Gropius, Paul Klee, Wassily Kandinsky, Oskar Schlemmer, Marcel Breuer, Lyonel Feininger und Ludwig Mies van der Rohe. Es sind alles Männer. Klar, die kugelförmige Teekanne von Marianne Brandt hat es zu einiger Berühmtheit gebracht. Aber der Großteil der Bauhaus-Frauen ist in Vergessenheit geraten.

Erst langsam – und in diesem Jubiläumsjahr nun mit einigem Schwung – ändert sich das. Zahlreiche Bücher erscheinen in diesen Monaten. Patrick Rössler und Elizabeth Otto veröffentlichen in Kürze „Frauen am Bauhaus“, und Ulrike Müller legt ihren Band „Bauhaus-Frauen“ wieder auf.

Anja Baumhoffs Buch „The Gendered World of the Bauhaus. The Politics of Power at the Weimar Republic’s Premier Art Institute“ von 2001 erscheint wieder, Ursula Muscheler hat sich in „Mutter, Muse und Frau Bauhaus“ mit der Rolle der Frauen um Walter Gropius beschäftigt. Jana Revedin und Theresa Enzensberger haben mit „Jeder hier nennt mich Frau Bauhaus“ und „Blaupause“ Romane über Bauhaus-Frauen geschrieben.

Eine neue Website informiert über Gertrud Grunow, Ausstellungen zeigen die Werke von Ida Kerkovius in Apolda und die Schau „4 Bauhausmädels“ in Erfurt. Die Tate Gallery in London hat Anni Albers gerade mit einer Retrospektive geehrt. Und am kommenden Mittwoch läuft in der ARD zur besten Sendezeit der Fernsehfilm „Lotte am Bauhaus“. Die Erinnerung an dieses bedeutende Stück deutscher Kulturgeschichte wird endlich vervollständigt.

Kein Unterschied zwischen dem schönen und starken Geschlecht

Aber wie konnten die Frauen an dieser als so fortschrittlich geltenden Kunstschule dermaßen ins Abseits geraten? Ist das Bild vom Bauhaus als progressive Avantgardekathedrale – zumindest was die Geschlechterfrage angeht – nichts anderes als ein gut gepflegter Mythos?

Es hatte alles so vielsprechend für die Frauen am Bauhaus begonnen. Im Programm von 1919 hieß es weltoffen: „Als Lehrling aufgenommen wird jede unbescholtene Person ohne Rücksicht auf Alter und Geschlecht, deren Begabung und Vorbildung vom Meisterrat als ausreichend erachtet wird.“ Und in seiner Begrüßungsansprache versprach Gropius: „Kein Unterschied zwischen dem schönen und starken Geschlecht. Absolute Gleichberechtigung, aber auch absolut gleiche Pflichten.“ Absolute Gleichberechtigung, das klang modern in einer Zeit, in der Frauen gerade erst in der neuen Verfassung das Wahlrecht zugesprochen bekommen hatten und in der die Rollenaufteilung zwischen berufstätigen Männern und Frauen, die sich um Kinder und Küche kümmern, klar definiert war.

Frauen standen anfangs noch alle Werkbereiche offen

Schaut man sich Gropius’ Worte genauer an, klingt aber auch da schon eine klare Trennung der Geschlechter durch, denn er spricht – heute würden wir sagen klischeehaft – vom „schönen“ und vom „starken“ Geschlecht. Dieser Dualismus zwischen den Geschlechtern war typisch für die Zeit. Männer galten als vernunftbegabt und Kulturträger, Frauen als emotional und Naturwesen. Männer, so glaubten vor allem Männer, könnten dreidimensional sehen und daher Häuser und Skulpturen bauen, Frauen hingegen nur zweidimensional denken und sollten daher besser in der Fläche arbeiten.

In der Weimarer Anfangszeit waren die Frauen am Bauhaus in der Überzahl.

84 weibliche und 79 männliche Studenten hatten sich im Sommersemester 1919 eingeschrieben. Insgesamt studierten zwischen 1919 und 1933 exakt 462 Frauen am Bauhaus – das ist rund ein Drittel der Gesamtstudentenzahl. Den Frauen standen anfangs noch alle Werkbereiche offen – die Metallwerkstatt genauso wie die grafische Druckerei und die Werkstätten für Stein- und Holzbildhauerei.

Zu Beginn, kurz nach dem Ersten Weltkrieg, sah Gropius Studentinnen noch gern. „Das Bauhaus brauchte diese Frauen damals, da man dort nach Kopf bezahlt wurde“, sagt Prof. Anja Baumhoff, eine der Pionierinnen der Bauhaus-Geschlechterforschung, die an der Hochschule Hannover Kunst- und Designgeschichte lehrt. „Das Bauhaus konnte Frauen erst peu à peu durch Männer ersetzen.“ Aber bereits ein Jahr später drehte sich der Wind. Gropius verlangte, die Zahl der Studentinnen zu reduzieren. Der neue Mensch, der am und mit dem Bauhaus wachsen sollte, sei in allererster Linie ein Mann gewesen, sagt Baumhoff, die im Mai ihr Buch „Der Neue Mann und das Bauhaus“ veröffentlichen wird. Zudem fürchtete Gropius, dass die große Anzahl von Frauen dem Image der Schule schaden werde, und forderte „eine scharfe Aussonderung gleich nach der Aufnahme, vor allem bei dem der Zahl nach zu stark vertretenen weiblichen Geschlecht“. Die Meister hatten Angst, die Frauen würden den Männern die Plätze wegnehmen. Der Vorschlag von Johannes Itten, erst einmal den Vorkurs – so etwas wie einen Grundkurs – abzuwarten, zu schauen, wer unabhängig vom Geschlecht talentiert war, und erst dann auszusortieren, wurde von Gropius und anderen Meistern abgelehnt.

Diese Entwicklung fand ihren Höhepunkt in der sogenannten Frauenklasse. Die meisten weiblichen Studenten landeten nun in der Weberei. Dem berühmten Maler und Bühnenbildner Oskar Schlemmer wird das Zitat zugeschrieben: „Wo Wolle ist, ist auch ein Weib, das webt, und sei es nur zum Zeitvertreib.“ Ein Satz, der in seinem Spott alles über das Frauenbild vieler Bauhaus-Männer aussagt. Doch die Frauen machten aus der Weberei die erfolgreichste Werkstatt.

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ANITA REÉ – Die Meisterin, die keine sein durfte

Anita Rée war ein Star der Malerei. Doch in der NS-Zeit wurde ihre Kunst als »entartet« gebrandmarkt, und sie schließlich bis zum Suizid drangsaliert, ihr Name verschwand aus dem Kunstkanon. Wir wollen sie hier in dieser Rubrik wieder zum Leben erwecken. Mit einem gekürzten Artikel aus dem Spiegel, der unter diesem Link hier auch anzuhören ist. Der Text ist von Ulrike Knöfel vom 08.07.2024 • aus SPIEGEL Geschichte 1/2024

Obwohl der Erste Weltkrieg noch andauerte, lud man im November 1917 in Hamburg zu einem kulturell und sicher auch gesellschaftlich herausragenden Ereignis. In der pompösen Kunsthalle nahe der Alster war Malerei aus Privatbesitz zu sehen, darunter Gemälde von van Gogh und Picasso. Nur die »neueste Richtung« wurde gezeigt, die Avantgarde der Kunstszene. In einem der Säle strahlte ein ortsansässiges Talent besonders hell: die Malerin Anita Rée. Damals war sie Anfang dreißig und für einen Rezensenten eine der »starken Hoffnungen der jungen Hamburger Generation«.

Es blieb nicht bei der Hoffnung: Anita Rée erfüllte jahrelang alle Erwartungen. Sie erfand in ihren Bildern ihre eigene Moderne, noch figurativ und ihrer Zeit doch voraus, oft nüchtern, manchmal fast surreal und immer berührend. Dann bekam sie, die Tochter eines jüdischen Vaters, den wachsenden Antisemitismus zu spüren . In einem Brief Anfang Dezember 1933 beklagte sie ihre »Einsamkeit in dieser dem Wahnsinn verfallenen Welt«, fragte, warum man an deren Grausamkeiten zugrunde gehen solle. Am 12. Dezember 1933 brachte sie sich mit 48 Jahren in Kampen auf Sylt mit einer Überdosis Schlafmittel um.

Nach ihrem Tod geriet sie weitgehend in Vergessenheit. Erst 1986 widmete ihr eine Kunsthistorikerin eine Doktorarbeit und ein kleineres Hamburger Museum bald darauf eine Schau. 2017 wurde Rée endlich auch in einer großen Ausstellung der Hamburger Kunsthalle geehrt. Sogar Romane über ihr Leben sind erschienen. Aber bis heute ist ihr Ruhm nicht annähernd so groß, wie sie es verdient hätte.

Der kunsthistorische Kanon ist bis heute unvollständig

Wie so viele wurde sie zuerst von den Nazis und in der Folge auch von den Kunstexperten der Nachkriegszeit aus dem kulturellen Gedächtnis gestrichen. Die Nationalsozialisten wollten bestimmen, wer »deutsch« sein sollte und was angeblich »deutsche« Kunst darstellen sollte. Für Werke, die nicht ins Raster fielen, wählte man den aus der Rassentheorie entliehenen Begriff »entartet«. Jüdische Künstlerinnen und Künstler wurden drangsaliert, verfolgt, ermordet. Expressionismus, Neue Sachlichkeit, Kubismus und andere moderne Richtungen wurden verfemt.

Das wirkt bis heute nach. Der kunsthistorische Kanon ist unvollständig. Viele Künstlerinnen und Künstler fehlen mit ihren Interpretationen der Bildhauerei, der Malerei. Unter ihnen ist auch Anita Rée.

Innerhalb der Avantgarde ging sie ihren eigenen faszinierenden Weg. Deutlich wird das in jedem ihrer Werke, auch und gerade in den Selbstporträts. Eines malte sie um 1911, sie war Mitte zwanzig. Der Bildausschnitt ist eng, sie zeigt dem Betrachter ihr Gesicht aus der Nähe. Umso intensiver ist die Wirkung ihres gleichermaßen skeptischen, melancholischen wie durchdringenden Blicks, der wie herangezoomt wirkt. Diese Bestandsaufnahme des Menschlichen ist zeitlos, sie könnte in die Antike so gut wie ins 21. Jahrhundert passen…

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Das NS-Regime entschied sich gegen viele Richtungen der Moderne, ließ die Bilder und Statuen aus den Museen entfernen. Eine Auswahl von 650 Werken wurde in der Münchner Schau »Entartete Kunst« verhöhnt, später tourte eine gleichnamige Wanderausstellung durchs Land. Viele weitere beschlagnahmte Werke wurden im internationalen Kunsthandel von den Nazis zu Geld gemacht. Ebenfalls in München, in seinem neuen »Haus der Deutschen Kunst«, ließ Hitler jedes Jahr solche Werke auffahren, die seinem Geschmack entsprachen. In diesen »Großen Deutschen Kunstausstellungen« wurde die ästhetische Leitlinie des Reichs sichtbar – eine biedere bis kitschige Beschwörung von deutscher Erde, Mutterglück, Soldatentum.

Nach dem Ende des Nationalsozialismus, 1945, folgte dann der große Bruch mit dieser Ästhetik der Diktatur. Zumindest erweckte die Kunstwelt diesen Eindruck lange Zeit erfolgreich. Viele jüngere Maler entdeckten die Abstraktion wieder, der Neoexpressionismus eines Georg Baselitz oder Markus Lüpertz wurde zur wichtigen Strömung in Deutschland. Zugleich beschwor man jene Moderne, wie es sie vor 1933 gegeben hatte. Allerdings griff man dabei vor allem auf Leute wie Nolde zurück und machte zugleich einen weiten Bogen um jene, die ausgestoßen, verfolgt und ermordet worden waren. Auffällig ist ebenso der Umgang mit Frauen: Künstlerinnen galten in der Nachkriegszeit eher noch weniger als in den Zwanzigerjahren.

Frida Kahlo ist einer ganzen Generation von Frauen ein Vorbild geworden, ihre Kunst ist von einem eindrucksvollen Realismus bestimmt, dem Realismus ihrer eigenen Tragik, die aber, wie die Tragik Kafkas oder Dostojewskis exemplarisch für die Menschheit steht. In diesem Falle für die weibliche Menschheit. In Mexiko-City kann man ihren einzigartig schönen Wohnsitz besuchen, das „Blaue Haus“, heute ein

Museum.

Wir empfehlen außerdem diesen:

Film

Dazu hier noch einiges:

über ihr Leben

aus Wiki, viel Spaß beim Lesen!

Foto privat: Selbstbildnis mit Affen, Ausschnitt aus Katalog

Fotos privat: Aus der Mannheimer Ausstellung

„Zeichnen ist meine Leidenschaft, mein Laster, meine Sucht, solange ich lebe. 
“ Hanna Nagel

Wunderschöne Zeichnungen von Hanna Nagel wurden kürzlich erstmalig in einer größeren Ausstellung in Mannheim gezeigt. Die Malerin und Graphikerin Hanna Nagel (1907-1975) ist die Wiederentdeckung einer Pionierin feministischer Kunst. das Ringen um Gleichberechtigung ist in vielen Bildern ihres Werkes Thema.

Einzelausstellungen zu ihrem Werk finden sich nach dem 2. Weltkrieg nur ganze zwei: Anläßlich ihres 100. Todestages wurden ihre frühen Arbeiten von 1926 bis 1933 in der „Städtischen Galerie Karlsruhe“ gezeigt. 2011 widmete sich das Frankfurter „Kunstkabinett von Hanna Bekker vom Rath“ ihrem Schaffen. In Gemeinschaftsausstellungen waren Bilder von Hanna Nagel 2013 in Neu-Ulm,  in Böblingen und Stuttgart und 2015 auch in Bietigheim-Bissingen zu sehen. Es ist wahr und sicher, Hanna Nagels Kunst ist in der Breite nicht bekannt. Jetzt schließt sich die „Kunsthalle Mannheim“ unter dem Titel „Wiederentdeckung einer Pionierin feministischer Kunst“ an und fordert das Publikum mit 190 Arbeiten auf, diese brillante Künstlerin nicht zu vergessen. Viele Werke stammen aus privaten Händen, 13 Werke kann das Museum aus eigenem Besitz beisteuern. Hanna Nagel ist in Heidelberg geboren und gestorben. Mit 17 Jahren begann sie hier eine Lehre zur Buchbinderin und zeichnete schon zu dieser Zeit und vorher Bilder. Schon 1 Jahr später wechselte sie an die „Badische Landeskunstschule Karlsruhe“ und tauchte tief in die südwestdeutsche Neue Sachlichkeit unter Karl Hubbuch (1891-1979), Wilhelm Schnarrenberger (1892-1966) und Hermann Gehri (1879-1944) ein.

„…meinen Blättern soll man ansehen, dass sie von einer Frau herrühren…. Für mich kommt es darauf an die weiblichen Gefühlsnuancen zu zeichnen, auch solches, was vielleicht noch nie eine Frau gezeichnet hat.“ Hanna Nagel

aus „Hanna Nagel“, hrsg. Irene Fischer-Nagel, Karlsruhe, Braun, 1977, S.34

weiterlesen über ihr Leben und Werk

Herta Gleitsmann (Maria Gleit) stammte aus einer Arbeiterfamilie. Nach dem Besuch der Volksschule und einer Ausbildung zur Stenotypistin absolvierte sie ein Volontariat beim Sächsischen Volksblatt in Zwickau. Dort schrieb sie Gedichte und Märchen für die Kinder- und Jugendbeilage. In der Redaktion lernte sie ihren späteren Ehemann Walther Victor kennen, mit dem sie nach Berlin zog, wo sie als Redakteurin für Frauenthemen für eine Nachrichtenagentur arbeitete. Außerdem schrieb sie Theaterrezensionen und Literaturkritiken. Nach der nationalsozialistischen Machtübernahme verließen Maria Gleit und Walther Victor Deutschland. Gleits im gleichen Jahr veröffentlichter Roman „Abteilung Herrenmode“, in dem eine weibliche Hauptfigur mit namen Lotte, ähnlich wie im TV-Film: Babylon Berlin, eine interessante Entwicklung durchmacht, wurde von den Nationalsozialisten verboten. 1947 ließ sie sich in der Schweiz nieder, stellte aber ihr Schreiben ein und nahm sich 1981 verarmt und einsam das Leben. Ihrem Sohn gebot sie, alle ihre schriftlichen Arbeiuten zu vernichten. Im Gegensatz zu Max Brod, der das unveröffentlichte Werk Franz Kafkas gegen dessen Willen rettete, gab der Sohn diesem Wunsch nach und so gibt es aus ihrem umfangreichen Werk nichts mehr außer einem einzigen Roman.

Über Maria Gleit und ihr Werk bei fembio

Dazu hier ein aktueller Artikel aus dem ND, dort wird sie mit Autorinnen der Zwanzigerjahre verglichen, die auch lange vergessen waren: Irmgard Keun, Mascha Kaléko, Marieluise Fleißer und Vicki Baum, mit einer Auflage, Maria Gleit hatte damals auf jeden Fall eine Auflage, die kaum ein «Frauenbuch» je erreicht hat.